10 MEJORES ALBUMES DEL POP-ROCK DEL AÑO 1989

 

  1. 3 Feet High and Rising - De La Soul
  2. Doolittle - Pixies
  3. The Stone Roses - The Stone Roses
  4. Paul's Boutique - Beastie Boys
  5. Like A Prayer - Madonna
  6. Rhythm Nation 1814 - Janet Jackson
  7. Disintegration - The Cure
  8. Nick of Time - Bonnie Raitt
  9. The End Of Innocence - Don Henley
10. Technique - New Order

10 MEJORES ALBUMES DEL POP-ROCK DEL AÑO 1988

 

  1. It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back - Public Enemy
  2. Straight Outta Compton - N.W.A
  3. Daydream Nation - Sonic Youth
  4. Tracy Chapman - Tracy Chapman
  5. Nothing's Shocking - Jane's Addiction
  6. Surfa Rosa - Pixies
  7. Strictly Business - EPMD
  8. Spirit Of Eden - Talk Talk
  9. Green - R.E.M.
10. ...And Justice For All - Metallica

Miguel Bosé

                        

 Nació el 3 de abril de 1956 en Panamá. Hijo del torero español Luis Miguel Dominguín y de la actriz italiana Lucía Bosé, que se separaron cuando Miguel tenía doce años. De los 4 a 7 años pasó sus veranos en Cannes, en la finca "La California" de Pablo Picasso

Estudió teatro y danza. Viajó sin descanso, quedándose con lo mejor de Roma, París, Londres y Nueva York, para dar forma a su propio arte. Durante un tiempo ejerció como ejecutivo en la empresa de su padre. Su debut cinematográfico fue a los 15 años y a los 21 comenzó a explorar su talento como cantante. En los años 70 produce sus primeros sencillos apadrinado por Camilo Sesto, que le abre las puertas al mundo de la música.

A principios de los 70, Miguel se fue a Londres a estudiar danza con Lindsay Kemp, luego a París con Martha Graham y a New York con Alvin Ailey para disgusto de su padre, que no veía con buenos ojos sus inclinaciones musicales, aunque con el tiempo el torero se acabara convirtiendo en su primer admirador. Es el tiempo en que decide cambiarse el apellido de Dominguín a Bosé,. Cuando presenta “Linda” en el programa televisivo de José María Iñigo, (año 1977 en “Esta Noche Fiesta” de TVE) asistimos al nacimiento de una estrella , que pronto se convierte en un fenómeno de masas. Es la época del Miguel adolescente de belleza efébica, la que quiso retratar Visconti cuando le ofreció interpretar el papel de Tadzio en “Muerte en Venecia”. Seduce con su encanto y refrescante ambigüedad, ante el fervor de las fans, con temas como “Mi libertad”, “Anna” o “Super-Superman”..

Tenían que venir los años 80, con toda su explosión de libertad e imaginación en España, para que Bosé comience a encontrar las claves de un camino propio. Son momentos de cambio y no desiste en sus inquietudes. Con su álbum “Miguel”, marca un punto de inflexión y brillo creativo en su carrera con canciones de la hondura de “Te amaré”, mientras crece en su juventud y su voz progresa. No duda ni en vestirse de matador en la portada en homenaje a su padre. Sigue dando la vuelta al ruedo triunfal en giras multitudinarias por España, Italia, Francia y Latinoamérica acompañado de ventas discográficas millonarias. Pero el inconformismo y la experimentación continúan. Son los días y noches efervescentes de la Movida Madrileña, y tras la incomprensión de “Más allá” y la recuperación con “Bravo muchachos”, no duda en colaborar con los artistas emergentes de la nueva ola, como su compañero de la niñez Carlos Berlanga de “Alaska y Dinarama”, los Auserón de “Radio futura”, los Cano de “Mecano”, en esa joya de culto que hoy resulta “Made in Spain”, mientras no desatendía su pasión italiana con “Milano-Madrid”.

En 1984 Nace Bandido un disco que lo llevaría un paso adelante en la historia de la música pop en español gracias a "Sevilla" o "Amante bandido".

Su siguiente producción, Salamandra (1986), más esperada luego del éxito de su álbum anterior, confirmaría a Bosé como un artista verdadero gracias a “Nena” o “Aire soy”. El tremendo éxito lo llevaría a grabar esos mismos temas en italiano e inglés para establecerse como un artista internacional.

Para 1987 Miguel Bosé lanza su álbum Xxx, que, al igual que su anterior trabajo, aparecería editado en distintos idiomas, apoyado en temas como “Duende”, “Como un lobo” o “Qué no hay”.

Luego de una extensa promoción, regresa en 1990 con Los chicos no lloran, un álbum con buenas canciones ubicadas en un plano más maduro (“Hojas secas”, “Manos vacías”, “Bambú”). La gira de ese álbum sería documentada con Directo ‘90, su primer trabajo grabado en concierto.

La década de los 90 fue más tranquila. Sus trabajos ya serían más esporádicos, aunque siempre esperados con ansiedad por su público. Sus espectadores crecieron, se hicieron maduros y el disco Bajo el signo de Caín (1993) les entregó canciones con letras alejadas de convencionalismos, como “Si tú no vuelves”.

Tres años después Bosé sorprende nuevamente con Laberinto (1996), un disco con su sensibilidad y madurez características. Después de este álbum, un largo periodo pasó y en donde aparecieron los discos 11 maneras de ponerse el sombrero (1998), prácticamente un álbum de covers de compositores latinoamericanos; Lo mejor de Bosé (1999), una recopilación de sus más grandes éxitos en la etapa con Warner Music, y, finalmente, Girados, un álbum doble y también DVD de su gira de 2000 en compañía de la ex Mecano Ana Torroja.

Con Sereno (2001) se le escuchó en su línea de pop fino y convincente, gracias a “Morenamía”, “Gulliver” o “El hijo del Capitán Trueno”. Su gira siguiente, a lo largo de 2002, fue de las más aclamadas en varios años.

En 2004 lanzó Por vos muero, una obra de 10 canciones inspiradas por el cine de arte de todos los tiempos. Incluía el éxito “Olvídame tú”, el dúo con Alejandro Fernández en “Habana” o una nueva y más lenta versión de “Amiga”. Asimismo, poco después lanzó un DVD con su actuación especial acompañado de una orquesta sinfónica.

En el 2005 Miguel Bosé regresó nuevamente con el disco Velvetina en el que a través de 13 temas mostró sus nuevas tendencias musicales.

Para el 2007, el español celebró sus 30 años de carrera con el disco Papito en el que presenta 15 de sus éxitos cantados a dúo con artistas de talla de Shakira, Alejandro Sanz, Laura Pasini y Julieta Venegas entre muchos otros.

Como actor ha participado en multitud de cintas extranjeras, sobre todo en Italia, pero no quiso dejar escapar la oportunidad de contribuir a crear historia en el cine español. Por ejemplo, de la mano de Pedro Almodóvar, Bosé triunfó con su actuación en Tacones lejanos, en la que daba vida a un juez travestido. Le seguirían largometrajes célebres como La reina Margot, Libertarias y La mirada del otro.

Además de cantante y actor, Miguel Bosé también ha trabajado como modelo del diseñador Hugo Boss y como presentador y director del programa musical para Televisión Española Séptimo de Caballería, en el entrevistaba a diferentes artistas con su inigualable estilo.

En el año 2007, Miguel Bosé edita "Papito", un álbum de duetos y conmemorativo de sus 30 años de carrera musical, en el que cuenta con la participación de pesos pesados de la música mundial. Entre los invitados se encuentran Shakira, Alejandro Sanz, Juanes, Ricky Martin, Laura Pausini, Paulina Rubio, Julieta Venegas, entre otros. "Cardio" es el título de su siguiente disco, contiene 12 nuevas canciones, todas producidas, arregladas, y compuestas por el cantautor junto a Nicolás Sorin. "Estuve a punto de" es el primer sencillo de un disco que se destaca por la mezcla de sonidos electrónicos y baladas más convencionales. También hay lugar para la ironía como ya es habitual en los trabajos del español. Luego del lanzamiento, salió de gira para presentar el álbum y de paso, hacer un repaso por sus más de 30 años de carrera. En esa gira recorrió más de 50 escenarios (España, México, Chile, Venezuela, EE.UU) con una puesta en escena original y vanguardista, y que decidió mostrar en un CD+DVD titulado "Cardio Tour", lanzado en marzo de 2011 y que retrata lo que Bosé presenta en sus shows, con más de 2 horas de música e imágenes.

El 3 de diciembre de 2008 Miguel lanza su Bosegrafia colección que contiene 10 cd con sus éxitos y 2 DVD.

EARTH WIND AND FIRE

Earth, Wind & Fire fue una de las bandas funk con el sonido más acabado, respetada por la crítica y de las más exitosas en lo comercial. Lo que hizo única a esta banda fue, por una parte la concepción que tuvo el baterista, compositor, cantante y líder de la banda, Maurice White. Earth, Wind and Fire era una fusión de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll. 

Sumada a la riqueza musical estaba la voz de Philip Bailey, detrás de la cual la banda armonizaba como el mejor de los grupos Motown, con la intensidad de James Brown o la improvisación de un grupo de jazz fusión. Además, sus presentaciones en el escenario eran elaboradas y trepidantes. El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Era una diversidad impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. 

El elemento que servía de unión a todos estos elementos era la composición de Maurice White. Sólido, impredecible con los arreglos, inteligente con los ganchos y estructurado en la unión de los instrumentos, hizo de Earth, Wind and Fire la banda más impecable del funk. Si bien es cierto no todo lo que grabaron fue un éxito, lo correcto es que ellos fueron los primeros en amarrar todos los ritmos que les habían precedido y los convirtieron en un espectáculo impresionante. 

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como baterista de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, entró como el baterista del grupo de jazz “Ramsey Lewis Trio” donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano, que luego usaría a lo largo de toda su carrera. 

En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. 

Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. 

En 1970 cuando White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo radicado en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y en la percusión a Yackov Ben Israel, además de los originales Whitehead y Flemons. 

Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la agrupación. La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades. 

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el sax, Roland Bautista en la guitarra, en las teclas Larry Dunn y en la percusión Ralph Johnston. Pero la adición más importante fue la del cantante Philip Bailey. 

Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical. 

En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y comercial.

"Mighty Mighty", extraído de ese LP se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro. 

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind and Fire barriera con todo. El grupo se encargó de componer la banda de sonido de la película “That’s the Way of the World”. Previendo que la película no sería un éxito de taquilla, Maurice White decidió lanzar el disco antes de la aparición de la película. Aunque el filme fue un fracaso, el disco despegó impulsado por la balada “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, además de llevarse el Grammy por la mejor interpretación R&B. 

El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El dinero que recibieron se transformó en la extravagancia que dominaba todos sus espectáculos. Además se incluyó una sección de vientos más pesada con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin inconvenientes al número uno de los discos más vendidos.

KC AND THE SUNSHINE BAND

Los Bee Gees fueron los reyes del disco a finales de los 70, pero KC & the Sunshine Band nunca se les quedó atrás. Desde mediados de los años 70, esta banda integrada por personas de distinta raza y encabezada por Harry Wayne “KC” Casey y Richard Finch, produjo los éxitos más reconocidos a la hora de bailar.

Con éxitos como “Get Down Tonight”, “That’s The Way (I Like It)” y “Shake Your Booty” KC & The Sunshine Band se convirtió en uno de los grandes protagonistas de la música pop. Junto a los Beatles y los Jackson Five, KC & The Sunshine Band se convirtió en el tercer artista en lograr colocar cuantro número uno en un solo año: “Boogie Shoes”, “Get Down Tonigh”, “That’s The Way (I Like It)” y “Rock Your Baby”.

Casey y Finch se conocieron en 1972 mientras trabajaban para TK Records en Miami. En ese entonces Casey trabajaba como secretario personal de Timmy Thomas y controlista. Finch, por su parte, era asistente de producción.

A Casey se le ocurrió la idea de hacer equipo con Finch para desarrollar sus talentos. “El se dio cuenta que yo tocaba el bajo y la batería, y yo me di cuenta de que él tocaba el teclado. Por eso cuando no había nadie en el estudio por las noches, subíamos a ver qué música sacábamos. Mucha gente tiraba cinta de grabación simplemente porque no sabía cómo borrarla correctamente. La cinta era cara por eso yo la sacaba del basurero, la borraba y la usaba para grabar.” Recuerda Richard Finch.

Además de ser habilidosos, eran rápidos para grabar por sus sesiones en el estudio. No les tomó mucho tiempo antes de encontrar un sonido que combinara las dos visiones de la música. Para ello usaron una banda de apoyo a la que bautizaron Sunshine Band.

En 1973 sacaron su primer disco, “Do It Good”, que tuvo un éxito limitado en las listas del Rythm and Blues. “Blow Your Whistle” estuvo en la casilla 27 a finales de ese año y “Sound Your Funky Horn” estuvo como máximo en la 21 a inicios de 1974.

La primera señal de que algo estaba pasando con el sonido de Casey y Finch fue la llegada al Top 10 inglés de “Queen Of Clubs” en setiembre de 1974. A raíz de la notoriedad que logró la canción recibieron ofertas para presentarse en vivo en muchos lugares de la isla.

Geroge McCare había compuesto la canción “Rock Your Baby” a la que Casey y Finch le pusieron una base rítmica en solo 45 minutos. La disquera quedó encantada con el trabajo, McCare entró y cantó la letra y en menos de lo que canta un gallo el tema estaba en el número 1 de las listas. Este hecho ayudó a que Casey y Finch decidieran dedicarse seriamente a la composición y a la producción de la casa disquera TK.
Así, produjeron y compusieron la canción ganadora del Grammy “Where Is The Love” interpretada por Betty Wright. También produjeron “Move Me Baby” de Gwen McCrae y “Gimme Some” de Jimmy Horne.
Cada día que pasaba Casey, Finch, el guitarrista Jerome y el baterista Robert Johnson se dedicaban a componer pistas nuevas. Entre los cuatro arreglaban las canciones hasta que estuvieran listas para ser grabadas. Una noche fue particularmente productiva cuando salió “Get Down Tonight”. Casey sentía euforia cada vez que pasaban la cinta una y otra vez, quizás porque en el fondo sabía el poder de lo que habían grabado. El sonido disco había sido potenciado por coros femeninos y vientos alegres.

La canción trepó directamente hasta el número uno. Seis meses después, cuando apenas se reponían de la emoción “That’s The Way (I Like it)” los ponía en la cima de la popularidad nuevamente.

Las presiones por las presentaciones en vivo no se hicieron esperar. Sin embargo Casey estaba preocupado porque nunca había cantando mientras tocaba el teclado. Los temores desaparecieron cuando el New York Times comparó su presencia escénica con la de Elvis Presley. En algún momento diría que siguió el consejo de Diana Ross cuando dijo que nunca había que perder la compostura y el rostro sonriente.

El canto de Casey muy parecido al de los artistas negros, su apariencia y sus presentaciones cargadas de energía volvieron locos a los aficionados. En sus momentos más ocupados la banda hacía giras de hasta nueves meses con 11 miembros de distintas razas sobre el escenario.

La ambición de Casey por hacer un álbum instrumental se cumplió en setiembre de 1975 con “The Sound of Sunshine”. El disco incluía el sencillo “Shotgun Shuffle” que aunque no logró llegar a los primeros lugares, estuvo sonando en las discotecas.

“Part 3”, su siguiente LP incluyó 3 canciones que llegaron a ser número uno entre 1975 y 1976. "Shake Your Booty", "I’m Your Boogie Man", y "Keep It Comin’ Love".

A finales de la década cuando el disco desaparecía al ritmo de Fiebre de Sábado por la Noche, era lógico pensar que KC & The Sunshine Band había llegado al final. Sin embargo, en 1979 “Please Don’t Go” se convirtió en una de las baladas más famosas de la historia en todo el mundo. Ese mismo año Casey grabó a dúo con Teri De Sario y se colocaron en la segunda casilla de la popularidad con “Yes, I’m Ready”.
Preocupado porque TK Records no les daba la importancia que merecían Casey decidió cambiar de disquera y firmó con Epic Records en donde grabó “The Painter” en 1981 y “All In A Night’s Work” en 1982. Ninguno de los LP vendió bien.

En enero de ese mismo año Casey tuvo un accidente que le provocó lesiones nerviosas. Después de una recuperación de nueve meses se reestableció completamente y volvió a trabajar. Se recuperó a tiempo para que la canción “Give It Up”, que estaba causando furor en Europa, le obligara a volver al escenario. Sin mebargo, Epic no lanzó la canción dentro de Estados Unidos, por lo que Casey formó su propio sello disquero lo que le permitió llevar esa canción al Top 20 en ese país.

En 1985 Casey decidió retirarse, pero sus canciones quedaron dentro de la cultura pop norteamericana. Además, de ser representante de una época, la música fue usada por incontables marcas en sus anuncios, en muchas películas de Hollywood y ahora dentro de los temas Hip Hop.

En 1991 Casy volvió a los escenarios a cantar para las generaciones adultas. En 1999 se presentó en el Super Tazón de Estados Unidos, el evento más visto en la televisión de ese país.

Con ventas de más de 100 millones de discos, tres Grammys, tres American Music Awards y 25 años tocando un funk muy particular, la banda no ha dejado de ser recordada y apreciada, además de ganar adeptos en las nuevas generaciones.