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Scorpions

Fue fundada en 1965 por el guitarrista Rudolf Schenker y el baterista Wolfgang Dziony y es en 1969 cuando el hermano menor de Rudolf y también guitarrista, Michael Schenker, junto al vocalista Klaus Meine entran en la banda para posteriormente lanzar su primera grabación en 1972, titulada Lonesome Crow.

Debido a su irresponsabilidad, a su alcoholismo y a que acepta un ofrecimiento del grupo inglés UFO, Michael abandona el grupo en 1973 y en su lugar entra Uli Jon Roth, quien tenía las mismas influencias de Eric Clapton y Jimi Hendrix. Ese mismo año, entran a la alineación Jurgen Rosenthal en la batería y Francis Buchholz en el bajo, reemplazando a Wolfang Diziony y Lothar Heimberg, respectivamente. El sonido peculiar de Uli Jon Roth marcó el sonido del grupo durante los siguientes años, en los que editaron discos tan notables como In Trance, lanzado en marzo del año 1975. In Trance, estuvo marcado por la polémica, ya que en su carátula aparece una modelo desnuda encima de una guitarra eléctrica mostrando un pecho descubierto. Se hicieron lanzamientos posteriores que mostraban a la misma modelo, aunque esta vez, su cuerpo está tapado completamente por sombras. Esta sería la primera de muchas otras carátulas que le han sido sido censuradas a Scorpions. En 1976 lanzarían Virgin Killer disco cuya portada fue censurada debido a que en este aparecía una niña desnuda; la carátula fue remplazada por una donde aparecían los miembros de la banda. En 1977, la banda lanzó Taken by Force; este fue el último disco de Uli Jon Roth y entra el baterista Herman Rarebell. La portada del disco son dos niños jugando con armas en un cementerio militar. Esto fue considerado un insulto por los franceses (ya que ahí se tomó la fotografía) por difundir la guerra y, al final, la portada fue cambiada por un fondo negro con los integrantes de la banda y una nueva canción: Suspender Love.

Madurez y éxito comercial

Scorpions hizo numerosas giras en Europa y llegaron a Japón en 1978, donde dejaron registrado el directo Tokyo Tapes, último disco que grabaría Uli Jon Roth en el grupo, que ya empezaba a tener diferencias musicales respecto a la línea que tomaban de cara al futuro; finalmente Uli, deja el grupo para formar su propio proyecto, un proyecto lleno de psicodelia, y de atributos que no iban en la misma dirección de lo que buscaban Rudolf y Klaus; por lo que Michael regresa al grupo. Sin embargo, con sus constantes faltas a los conciertos, la banda tuvo que contratar a un guitarrista para suplir los desplantes de Michael en las giras. Este guitarrista, que también tiene su lugar dentro del Salón de la Fama del Rock and Roll en Estados Unidos, responde al nombre de Matthias Jabs. Su primer concierto tuvo lugar en un gran festival en Cleveland, Ohio, Estados Unidos en 1979. Michael opta por dejar definitivamente a su hermano, y formar su propia banda, por lo que Mathias toma su lugar en 1979 y ha permanecido hasta la fecha.

En 1980, graban Animal Magnetism el primer disco de Scorpions con Mathias, este álbum fue lanzado el 31 de marzo del año 1980 y los premios que mereció ganar en su momento, fueron entregados algunos años después: en 1984 fue disco de oro y en 1991 disco de platino. Los temas más representativos son «Twentieth Century Man», «Falling in Love», «The Zoo» y «Animal Magnetism». El éxito no encontrado por Scorpions en los Estados Unidos en la década de los 70, llegó por fin con la grabación, en 1982, del disco Blackout, alcanzando la posición nº 10 en el Billboard Top Chart Albums y la marca de soble platino . En dicho material sobresale el tema «No One Like You». Durante la grabación de este álbum el vocalista, Klaus Meine, tuvo problemas con sus cuerdas vocales que llegaron a tal gravedad que pensó en retirarse de la banda. Luego de dos exitosas cirugías y un trabajo vocal metódico, Klaus retoma nuevamente su liderazgo. En el año 1982 este trabajo musical se transformó en disco de oro y en el año 1984 fue disco de platino.

El despegue total de esta banda teutona, vino en 1984 con el LP Love at First Sting, que contiene el éxito «Rock You Like A Hurricane». Esta canción estuvo más de 26 semanas consecutivas en la lista del top 100 de las revistas Billboard y Rolling Stone, dos de los medios de comunicación más influyentes del negocio musical. El vídeo de esta canción fue producido por el director de imagen de Iron Maiden, y fue el número uno del Top 10 de la recién creada cadena de televisión MTV. Más tarde se extrajo la canción «Still Loving You», paradigma y ejemplo máximo de balada heavy.

En ese mismo año, se realiza el festival Rock in Río en el que participaron, entre otras, bandas de la talla de Queen, AC/DC, Kiss, Van Halen, y Iron Maiden, presentándose ante más de 350 mil espectadores. Fue tal el virtuosismo que se vivió en aquella primera edición, que las revistas y medios especializados de comunicación las catalogaron como las "Olimpiadas del Rock" poniendo a "votación" a cada uno de los grupos que tocaron ese día para otorgarles la medalla de oro, plata y bronce respectivamente a los triunfadores. Scorpions obtuvo la de oro, AC/DC la de plata y Kiss la de Bronce.

En 1985, se produce el más grande triunfo musical de la banda grabando una extenuante gira realizada por casi todo el mundo. La llamaron World Wide Live (A lo Ancho del Mundo en Vivo) y con ese material se colocaron 52 semanas en las listas de popularidad de todo el mundo. Más tarde, en 1988 editan Savage Amusement creando un hit con la canción «The Rhythm of Love», con el que se colocaron en los primeros lugares de nueva cuenta. Dentro de la gira de Savage Amusement visitan la Unión Soviética, siendo el primer grupo de rock que logra entrar en ese país todavía dominado por el régimen comunista. De esa gira por más de 8 ciudades de la URSS, la banda edita un vídeo titulado To Russia With Love And Other Savage Amusements en el que queda plasmada la historia de esos conciertos. Ya rota las barreras por Scorpions, en 1989, la banda invita a varios grupos a organizar un festival por la paz en la URSS; entre estos Ozzy Osbourne, Bon Jovi, Skid Row, Mötley Crüe, Cinderella, entre otros más.

Su estancia en la Unión Soviética, inspira a Klaus la composición de uno de los éxitos más grandes y reconocidos de la banda: «Wind Of Change». Esta canción simboliza la ruptura de las cadenas del régimen comunista. Además, la caída del Muro de Berlín en Alemania está presente. Este tema, hasta la fecha, ha sido interpretado también por el tenor José Carreras a dúo con Klaus Meine, por la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Berlín. Esta canción se incluyó en el disco Crazy World, editado en 1990, en el cual demuestran un hard rock aún ochentero, pero con matices evolucionados y mejorados. Otras canciones que resaltan en Crazy World son «Send Me An Angel» y «Hit Between The Eyes», canción que fue incluida en la película Free Jack del director Geoff Murphy, en la que actúan Mick Jagger, Emilio Esteves, Rene Russo y Anthony Hopkins. En este material discográfico, Francis Buchholz es despedido del grupo y es reemplazado por Ralph Rieckerman. Ralph había trabajado antes componiendo sinfonías y bandas sonoras de películas.

En 1993 la banda lanza a la venta Face the Heat, uno de los discos más pesados de Scorpions, no sólo de esta década, sino de toda su historia. De esta grabación sobresalen los éxitos «Under the Same Sun», el cual sirvió de tema central de la película Under the Siege, de Steven Seagal, y la canción «No Pain No Gain».

Terminando la gira Face The Heat Tour, y presentándose ante más de un millón de personas a lo largo de toda la gira, toman un receso y graban en 1996 Pure Instinct el disco más suave de toda su carrera. Lo que quedó muy claro en esta grabación, es que la banda entró en una etapa de experimentación que al parecer les dejó muy buenos resultados personalmente, pero no muy gratos para sus seguidores en todo el mundo ya que no fue bien recibido debido al cambio musical y no tuvo tanto éxito como sus anteriores grabaciones. Durante la gira del disco, llegaron a Beirut (Líbano) siendo la primera banda internacional en pisar ese territorio. En esta etapa, el baterista Herman Rarebell, decide abandonar el grupo por cuestiones personales, en su lugar entra el joven baterista James Kottak quien se encontraba tocando con Krunk.

En el decimocuarto LP titulado Eye II Eye, la canción «To Be Number One» es número uno más de nueve semanas consecutivas en Europa y Japón.

Renacimiento

En el año 2000 graban junto con la Orquesta Filarmónica de Berlín, el disco Moment of Glory, con el cual vuelven a cosechar un gran éxito, ganando discos de oro y platino en Europa, sobre todo en España y Portugal. El año 2001 sería el decisivo para que la banda sacara el disco y DVD Unplugged titulado Acoustica, en el cual se puede ver versiones de «The Zoo», «Rhythm of Love», y «Tease Me Please Me» entre otras. En el año 2002 el grupo inicia una gira junto con Deep Purple y Dio promocionando el disco Bad For Good: The Very Best Of Scorpions en el cual incluyen dos nuevos temas, «Bad For Good» y «Cause I Love You». Ya en 2003 inician una nueva gira junto con Whitesnake y Dokken por los Estados Unidos y participan de otros grandes eventos tocando en el aniversario de Moscú. En el año 2004 sale a la venta el álbum titulado Unbreakable; ese mismo año Ralph Rieckermann deja el grupo y es sustituido por Paweł Mąciwoda.

Humanity Hour 1 sale a la venta en el año de 2007; este disco está realizado por la siguiente formación de la banda: Klaus Meine en voz, los guitarristas Matthias Jabs y Rudolf Schenker, Paweł Mąciwoda al bajo y finalmente por el batería James Kottak. El tema más representativo es «Humanity».

Despedida

El 25 de enero de 2010 anuncian su despedida en su sitio web, junto con un nuevo álbum titulado Sting in the tail, que se publicó el 19 de marzo de 2010, y una gira mundial.[8] En el comunicado describieron el proceso de grabación de este último disco como poderoso y creativo, así como divertido. Sin embargo, dijeron que querían terminar la carrera del grupo en buena forma admitiendo haber llegado al "final del camino" y agradecieron mantener la misma pasión por la música desde el inicio. Asimismo, consideraron que el álbum de despedida se encuentra entre uno de los mejores de su discografía y anunciaron que los llevaría de gira a los cinco continentes durante los años siguientes. Terminaron el comunicado agradeciendo a los fans el apoyo que siempre les han brindado.

Miembros

Miembros actuales

• Klaus Meine - Voz.
• Matthias Jabs - Guitarra.
• Rudolf Schenker - Guitarra.
• Pawel Maciwoda - Bajo.
• James Kottak - Batería.

Cronología

1966-1972

• Klaus Meine - Voz.
• Rudolf Schenker - Guitarra.
• Michael Schenker - Guitarra.
• Lothar Heimberg - Bajo.
• Wolfgang Dziony - Batería.

1973-1977

• Klaus Meine - Voz.
• Rudolf Schenker - Guitarra.
• Uli Jon Roth - Guitarra.
• Francis Buchholz - Bajo.
• Jurgen Rosenthal - Batería.
• Rudy Lenners - Batería.

1978-1992

• Klaus Meine - Voz.
• Rudolf Schenker - Guitarra.
• Francis Buchholz - Bajo.
• Herman Rarebell - Batería.
• Matthias Jabs - Guitarra.

1993-2005

• Klaus Meine - Voz.
• Rudolf Schenker - Guitarra.
• Matthias Jabs - Guitarra.
• Ralph Rieckermann - Bajo.
• Herman Rarebell - Batería.
• Curt Cress - Batería.
• Ken Taylor - Bajo.
• James Kottak - Batería.
• Paweł Mąciwoda - Bajo.

Discografía

Álbumes

• Lonesome Crow (1972)
• Fly to the Rainbow (1974)
• In Trance (1975)
• Virgin Killer (1976)
• Taken by Force (1977)
• Tokyo Tapes (en directo, 1978)
• Lovedrive (1979)
• Animal Magnetism (1980)
• Blackout (1982)
• Love at First Sting (1984)
• World Wide Live (directo, 1985)
• Savage Amusement (1988)
• Crazy World (1990)
• Face the Heat (1993)
• Live Bites (directo, 1995)
• Pure Instinct (1996)
• Eye II Eye (1999)
• Moment of Glory (con la Orquesta Filarmónica de Berlín, 2000)
• Acoustica (Unplugged, 2001)
• Unbreakable (2004)
• Humanity Hour 1 (2007)
• Taken B-Side (2009)
• Sting in the tail (2010)

Recopilaciones

• The Best of Scorpions (1978/1984)
• Rock Galaxy (1980)
• Hot & Heavy (1982)
• The Best of Scorpions Vol. 2 (1984)
• Still Loving You (1 EP: 1 Single) (1984)
• Gold Ballads (1985)
• Best of Rockers 'n' Ballads (1989)
• Hurricane Rock (Collection 1974-1988) (1990)
• Wind of Change (Japón) (1991)
• Hot & Slow: The Best of the Ballads (1991)
• Still loving you (1992)
• Hot & Hard (1993)
• Selection (1993)
• Deadly Sting (1995)
• Born To Touch Your Feelings (1995)
• Deadly Sting: The Mercury Years (1997)
• Hot & Slow: Best Masters of the 70's (1998)
• Big City Nights (1998)
• Master Series (1998)
• Best (1999)
• The Millennium Collection (1999)
• Pictured Life: All The Best (2000)
• 20th Century Masters: The Millennium Collection: The Best of Scorpions (2001)
• Classic Bites (2002)
• Best of Rockers 'n' Ballads (2003)
• Bad for Good: The Very Best of Scorpions (2002)
• Box Of Scorpions (2004)
• The Platinum Collection (2005)
• Gold (2006)
• No. 1's (2006)

Vídeos y DVD

• First Sting (VHS, 1985)
• World Wide Live (VHS, 1985)
• To Russia With Love And Other Savage Amusements (VHS, 1988; DVD, 2003)
• Crazy World Tour Live (VHS, 1991; DVD, 2002)
• Moment of Glory (Orquesta Filarmónica de Berlín) (DVD, 2001)
• Acoustica (DVD, 2001)
• A Savage Crazy World (DVD, 2002)
• Rock You Like A Hurricane (DVD, 2003)
• Unbreakable World Tour 2004: One Night in Vienna (DVD, 2005)
• Live At Wacken Open Air 2006 (DVD, 2008)
• Amazonia, Live In The Jungle (DVD, 2009)

Singles

• 1975: In Trance
• 1977: He’s A Woman She’s A Man
• 1979: All Night Long (4-Track-EP)
• 1979: Lovedrive
• 1979: Is There Anybody There
• 1979: Another Piece Of Meat
• 1980: Make It Real
• 1980: The Zoo
• 1980: Hey You
• 1982: Can’t Live Without You / China White
• 1982: Now!
• 1982: No One Like You
• 1984: Still Loving You
• 1984: Big City Nights / Bad Boys Running Wild
• 1984: Rock You Like a Hurricane / Coming Home
• 1984: Coming Home
• 1985: No One Like You (Live)
• 1988: Rhythm Of Love
• 1988: Believe In Love
• 1988: Passion Rules The Game
• 1989: Is There Anybody There (Long Version)
• 1989: Can’t Explain
• 1990: Tease Me Please Me
• 1991: Don't Believe Her
• 1991: Wind of Change
• 1991: Send Me An Angel
• 1992: Hit Between the Eyes
• 1993: Alien Nation
• 1993: No Pain No Gain
• 1993: Under The Same Sun
• 1993: Woman
• 1995: White Dove
• 1996: You And I
• 1996: Does Anyone Know
• 1996: Wild Child
• 1996: Where The River Flows
• 1997: Edge of Time
• 1997: When You Came Into My Life
• 1999: To Be No. 1
• 1999: Ten Light Years Away
• 1999: Eye to Eye
• 1999: Mysterious
• 1999: Aleyah
• 2000: Moment of Glory
• 2000: Hurricane 2000
• 2001: When Love Kills Love
• 2004: You Are the Champion (con Michael Kleitman)
• 2004: Miracle
• 2007: Humanity (Promo-Single para radio)
• 2010: Raised On Rock

Bruce Springsteen

Bruce Springsteen, para algunos especialistas, está dentro de un selecto grupo de figuras del rock and roll tales como Chuck Berry,  Elvis Presley ,  los Beatles  y  Bob Dylan . Al igual que estos artistas de la música popular, Springsteen ha sido fundamental en la evolución y desarrollo de esa música a mediados de los años setenta. Es uno de los herederos de Bob Dylan, pero quizás el único que pudo sobrepasar su momento de moda y perdurar con una base de admiradores gigante. La energía en sus presentaciones, el poder de sus letras y la empatía que desarrolló con su público han sido la clave del porqué ha perdurado.
Cuando Bruce Springsteen logró entrar a la escena rocanrolera norteamericana a finales de 1975, algunos críticos lo llamaron el salvador del rock and roll, por ser el artista que recogía la exhuberancia del rock de los años 50 y las letras concienzudas de los años sesenta, moldeadas en el estilo de los años 70. Su música era fuerte como la de Jerry Lee Lewis, sus letras eran tan complejas como las de Bob Dylan y sus conciertos se habían convertido en una suerte de ceremonia religiosa que celebraba lo mejor de la música. Uno de los críticos se enamoró de su música a tal punto que dejó la crítica para convertirse en su representante.
Pero las alabanzas impulsadas por la máquina publicitaria de su disquera fueron percibidas por muchos como una moda pasajera. Era un momento de euforia exacerbado por los medios de comunicación más importantes. De hecho apareció en las portadas de las revistas Time y Neewsweek, pero ambas empresas estaban cubriendo el fenómeno, no la música que lo empujaba.
Sin embargo, aún hoy día Springsteen sigue siendo una estrella que puede ver hacia atrás en su carrera y darse cuenta que ha producido uno de los discos más vendedores de todos los tiempos, que sus conciertos siempre han estado a reventar y que ha ganado premios Grammy al igual que el Óscar, al igual que un grupo de imitadores que han construido una especie de subgénero de la música popular.
Aunque ya no parece tener la estatura de una divinidad, se mantiene con un nivel de popularidad lo suficientemente alto como para que su disco de grandes éxitos haya entrado directamente en el primer lugar de las listas.
Bruce Federick Joseph Springsteen nació en 1949 en el seno de un hogar de clase media en Nueva Jersey. Su madre Adele era una secretaria y Douglas, su padre, era chofer de autobús.
Su amor por el rock and roll empezó una noche viendo el programa de Ed Sullivan. Esa noche se presentaba Elvis y esa actuación le dio la inspiración que necesitaba para empear a tocar música.
Empezó a tocar la guitarra estando en la secundaria y a los 14 años formó su primera banda: “The Castiles”. Influido por la música de Elvis, Springsteen, después de haberse graduado fue brevemente a la universidad, pero lo que realmente quería era ser músico. Contra los deseos de su padre empezó a tocar con diversas bandas de Nueva Jersey y Nueva York intentando entrar en la escena Folk de la época.
En ese período apareció en agrupaciones como “Rogues”, “Dr. Zoom” y “Sonic Boom”, antes de establecerse con la “E-Street Band” con la que tocaría por toda la costa de Nueva Jersey y permanecería en ella hasta 1989. El nombre de esta última banda viene de la calle en la que se ubicaba su estudio de grabación. En la “E-Street Band” estuvieron los tecladistas Danny Federici y Roy Bittan; los bajistas Steve Van Zandt y Garry Talent; el saxofonista Clarence Clemens y el baterista Max Weinberg.
Su disco LP de 1973 “Greetings from Asbury Park, NJ” marcó el punto de partida de su carrera y fue muy bien recibido por la crítica. Sin embargo, en su lanzamiento vendió muy poco.
Fueron sus impactantes presentaciones en vivo las que le hicieron popular. Sus apariciones en público las hacía abriendo para la banda “Chicago”. Al mismo tiempo Springsteen y la E-Street Band produjeron el álbum “The Wild and The Innocent & The E-Street Shuffle” cuyas ventas fueron creciendo en la medida en que se iba dando a conocer.
Haciendo giras de forma incesante, Springsteen y la E-Street Band habían armando una base de fanáticos importante. Esa base se había consolidado cuando en el disco de 1973, “E-Street Shuffle” se incluyó “Rosalita (Come Out To Night)”, que se convirtió en una suerte de himno para sus seguidores.
Su tercer LP, “Born To Run”, de 1975, fue el que le dio la notoriedad que todo artista necesita para arrancar con paso firme. Era la última oportunidad que tenía con su casa disquera Columbia. El resultado inmediato fue que el sencillo “Greetings from Asbury Park, NJ”, había entrado entre las doscientas canciones más populares, pero fue sacada de golpe por la disquera Columbia para darle espacio a “Born To Run” que llegaría a estar entre las cuarenta y el álbum entre los diez más importantes.
El disco fue producido al estilo de Phil Spector con muchas pistas de instrumentos dando un aire de rock orquestal. Ese aire épico se puede encontrar en las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Backstreets" y "Jungleland.

Ahora lo que necesitaba Springsteen era consolidarse después de semejante éxito. Por eso se dedicó a grabar un nuevo disco y a tocar en vivo toda vez que fuera posible. Sin embargo, no pudo hacerlo con la intensidad que deseaba debido a la demanda que le presentó su antiguo representante. En el ínterin el mundo musical había cambiado y para 1978 el movimiento Punk/New Wave estaba en la cresta de la ola. Fue en ese momento que salió a la venta “ Darkness at the Edge of Town”, su cuarto larga duración. Su música no fue tan clásica y por el contrario se quedó en el promedio.
En 1980 salió su quinto álbum que contenía 20 canciones en dos LP. “The River” viajaba por diversas temáticas que llegaban a los que querían rock para las fiestas hasta material más serio. “Hungry Heart” fue número 5 en las listas y los conciertos ahora era de 4 horas seguidas.
Conciente de que ya no era un fenómeno pasajero, Bruce Springsteen se retiró brevemente para preparar su siguiente disco: “Nebraska”, un LP que tuvo más cara de demo que de producto acabado. Para esa época Van Zandt, uno de los guitarristas de la banda, dejó la formación para iniciar su propio proyecto. Fue sustituido por Nils Lofgren.
Cuando parecía que las cosas habían cambiado por un ritmo más tranquilo vino “Born in the USA” en junio de 1984 y detrás del disco dos años de gira. El disco produjo siete sencillos, vendió más de diez copias y puso a Springsteen a la altura de otras luminarias del pop como Michael Jackson y Prince. Terminando la gira se puso a la venta un álbum quíntuple en el que se recogían las canciones en concierto entre 1975 y 1985. El disco estuvo número uno en ventas.
Como parece ser costumbre en Springsteen su regreso fue un disco introspectivo llamado “Tunnel of Love” en 1987, en el que parecía presagiarse su divorcio.
Luego de una gira maratónica le comunicó a la E Street Band que a partir de noviembre de 1989 seguirían caminos separados, después de 15 años de estar juntos. En marzo de 1992 lanzó dos álbumes simultáneamente: “Human Touch” y “Lucky Town”. Sin embargo, el esfuerzo no tuvo mayor éxito comercial. Un año después grabó un desenchufado para MTV que solamente fue puesto a la venta en Europa.
En 1994 ayudó en la grabación de la banda sonora de la película “Philadelphia” para la que compuso “Calles de Filadelfia”. Fue su primer top 10 desde “Tunnel of Love” y ganó cuatro Grammys y el Óscar a la mejor canción original.
Su retrospectiva puesta en un disco de grandes éxitos salió a la venta en 1995 entrando a las lista directamente en el número uno y reuniéndolo nuevamente con al E Street Band. Cerró el año con un video y con un nuevo álbum acústico llamado “The Ghost of Tom Joad”. Para apoyar el lanzamiento del disco hizo una pequeña gira en la que se presentaba en salas de concierto en las que interpretaba temas desenchufados.
Para 1999, luego de haber sido admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, arrancó una gira con toda la E Street band que terminó a mediados del año 200 y con un disco llamado “Live in New York City”. Luego vino un disco llamado “The Rising” (2002) en el que volvió a tocar con su banda original.

Frases Celebres Janis Joplin

 

Lo que te hace sentir bien no te puede causar ningún daño.
Nota: Haciendo referencia a las drogas.



En el escenario le hago el amor a 25000 personas diferentes. 
Luego me voy sola a casa



Ama a tus amigos animales no te los comas


Al ser intelectual se crea un montón de preguntas y ninguna respuesta


Aquí estoy, amigo, para celebrar una fiesta, la mejor posible mientras viva en la tierra. 
Creo que ese es también tu deber.


Es difícil ser libre, pero cuando funciona ¡vale la pena!   


¿Sabes la razón por la cual se piensa que sólo las personas de color tienen alma? 
Porque los blancos no se permiten sentir con el alma  


Ser un intelectual crea un montón de preguntas y ninguna respuesta  


No pongas en peligro tu vida. Eres todo lo que tienes.   


Me siento tan inútil acá abajo, sin nadie a quien amar. 
A pesar que he buscado por todos lados, no puedo hallar a nadie que me ame, 
que sienta mi cariño.   


Cuando canto me siento como enamorada. Es más que sexo. 
Es el punto en que dos personas llegan a eso que llaman amor por primera vez, 
multiplicado por todo el público. Es gigantesco.  

200 Grandes Artistas Del Rock 'n' roll 1970 1/4

 1. Stevie Wonder
  2. Led Zeppelin
  3. Elton John
  4. Pink Floyd
  5. Rolling Stones
  6. The Eagles
  7. Marvin Gaye
  8. Queen
  9. James Brown
10. The Who
11. Black Sabbath
12. Aretha Franklin
13. David Bowie
14. Paul McCartney/Wings
15. Parliament/Funkadelic
16. The Isley Brothers
17. Fleetwood Mac
18. John Lennon
19. Bee Gees
20. Chicago
21. Bob Marley
22. The Jackson 5
23. Earth, Wind & Fire
24. Al Green
25. Bruce Springsteen
26. KISS
27. The Clash
28. Curtis Mayfield
29. Lynyrd Skynyrd
30. Eric Clapton/Derek & the Dominos
31. Alice Cooper
32. Gladys Knight & The Pips
33. The Allman Brothers Band
34. Aerosmith
35. Neil Young
36. Bob Dylan
37. Rod Stewart
38. The O'Jays
39. The Ramones
40. Rush
41. Bob Seger
42. Steve Miller Band
43. Grateful Dead
44. The Beach Boys
45. George Harrison
46. Sly and the Family Stone
47. Peter Frampton
48. Elvis Presley
49. Crosby, Stills, Nash, & Young
50. Billy Joel

Steve Wonder - Biografia

Stevie Wonder es un icono y un genio musical que la gente ha querido por su forma de ser como valorado por su aporte a la música en general.

Ciego de nacimiento, Wonder desarrolló el oído de manera tal que le ha ayudado a crear nuevas tonalidades musicales y que se nutren de su propia experiencia de vida. Prácticamente todo lo que ha creado carga con un sello positivo sin importar si el tema es racial, social, espiritual o romántico.

Al igual que Ray Charles, quien fue su modelo e inspirador, Stevie Wonder ha desarrollado un apetito voraz por los diferentes estilos musicales y se ha negado a auto confinarse en un solo género o estética musical. Quizás por eso sus mejores grabaciones mezclan soul, funk, rock and roll, pop, jazz, reggae y elementos mismos de la tradición musical negra norteamericana.

Más que experimentar con estilos, lo que hizo Stevie Wonder fue desarrollar su propia manera de expresión musical. Al mismo tiempo la elasticidad de su voz, su capacidad melódica, la creatividad en la producción de arreglos y su gusto por las baladas; lo pusieron aparte del resto de los artistas. Otro factor que ayudó a destacar a Wonder fue el uso pionero del sintetizador durante los años setenta que le permitió crear un arco iris de texturas y voces que lo llevó a convertirse en una banda de un solo hombre.

Junto a otros artistas como Marvin Gaye e Isaac Hayes, Stevie Wonder llevó al R&B a la era del LP o álbum. Sus trabajos estaban amarrados de forma consistente con composiciones que iban hilvanadas una detrás de la otra. Todas estas particularidades han hecho de Stevie Wonder uno de los grandes autores del R&B junto a Marvin Gaye y, más recientemente, Prince.

En sus orígenes, Stevie Wonder fue un niño prodigio que se desarrolló dentro de la estructura de Motown, pero que se salió del molde durante los años 70 produciendo una cantidad de álbumes que eran tan populares como avalados por la crítica. Su reputación se basa en estos materiales que incluyen “Talking Book”, “Innervisions” y “Songs in the Key of Life”. Desde entonces su material ha tenido altos y bajos marcados por el exceso de sentimentalismos y la falta de nuevos sonidos dentro de su trabajo que siempre fue su sello distintivo.

Stevie Wonder nació prematuramente en Saginaw, Missouri el 13 de mayo de 1950 bajo el nombre de Steveland Hardaway Judkins (luego de que su madre se casara cambió su nombre a Steveland Morris). Debido a su condición fue puesto en la incubadora con tratamiento de oxígeno. Se supone que un exceso de este gas exacerbó una condición llamada retinopatía lo que terminó por dejarlo ciego.

En 1954 su familia se mudó a Detroit donde pudo desatar su pasión por la música en el coro de la iglesia. Desde allí despegó como un verdadero prodigio que aprendió piano, la batería y la harmónica... cuando solo tenía nueve años.
En 1961 cuando se presentaba para unos amigos fue descubierto por Ronnie White de los Miracles quien lo ayudó a conseguir una audición con Berry Gordy en Motown. Gordy no lo pensó dos veces y firmó un contrato con él, lo rebautizaron como “Little Steve Wonder” y lo pusieron a trabajar con el productor y compositor Clarence Paul.

Stevie lanzó sus dos primeros álbumes en 1962: “A Tribute to Uncle Ray”, un LP en el que Stevie Wonder cantaba los temas más importantes de su héroe Ray Charles, y “The Jazz Soul of Little Stevie”, un disco orquestado de jazz en el que se destacan sus interpretaciones en el piano, la harmónica y la percusión. Ninguno de los dos discos vendió bien, pero las cosas cambiaron con el disco en vivo de 1963 “The 12 Year Old Genius”, en el que se presentaba una versión extendida del solo de harmónica en la canción “Fingertips”. Editada para ser lanzada como un sencillo “Fingertips, 2ª. Parte” llegó a ser número uno tanto en la lista pop como en la lista R&B. Casualmente, el LP fue el primer disco de Motown en ser número uno en el cuadro de álbumes.

Aunque logró colocar un par de sencillos en las listas, sus subsiguientes esfuerzos no alcanzaron el éxito de “Fingertips, 2ª. Parte”. Debido a la pubertad, su voz cambiaba y fue necesario poner su carrera en el congelador, por su parte se dedicó a estudiar piano clásico en la Escuela para Ciegos de Michigan.

Al mismo tiempo quitó de su nombre artístico el “Little” y en 1965 reapareció con “Uptight (Everithing's Alright)” una típica canción bailable Motown que estuvo en el primer lugar de la lista R&B y fue número 5 en la pop lo que demostraba que Stevie Wonder era un artista que cruzaba las audiencias sin mayor inconveniente. El tema fue escrito por él y otro productor; y sirvió para que se reinventara como un cantante más maduro frente a una audiencia que aún lo recordaba como un niño.

Sus primeras canciones marcadas por el conflicto de los derechos civiles de las personas negras apareció en 1966 a través de su versión de “Blowin' in the Wind” original de Bob Dylan y por “A Place in the Sun”. Sin embargo, dado que Motown tenía la última palabra sobre la dirección de la carrera de Stevie Wonder no permitieron que pudiera desarrollarse en esa dirección.

Sin embargo, Stevie Wonder empezaba a tomar más control de su carrera. Participó en la composición de sus siguientes éxitos: "Hey Love," "I Was Made to Love Her" y "For Once in My Life". Con el nombre de esta última canción apareció su LP de 1968 en el que quedaba claro que su personalidad y estilo estaban marcando el resultado de lo que salía del estudio. Del disco se extrajeron tres sencillos que fueron número uno en la lista R&B: "Shoo-Be-Doo-Be-Doo-Da-Day," "You Met Your Match," y "I Don't Know Why."

En 1969 volvió a entrar en la listas por la puerta grande con “My Cherie Amour” (Que había grabado tres años antes) y "Yester-Me, Yester-You, Yesterday". Ambas canciones estuvieron entre las más populares del año. Algo similar sucedió al año siguiente con "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours" un tema compuesto junto a Syreeta Wright con quien se casaría a finales de 1970.

Ese mismo año colocó en las listas "Heaven Help Us All" y un arreglo de “We Can Work It Out” de los Beatles. Al mismo tiempo grabó con los “Spinners” “It's a Shame” y con los “Miracles” “Tears of a Clown”.

1971 fue un punto de giro en la carrera de Stevie Wonder. Al cumplir 21 años su contrato con Motown terminaba y las ganancias que se habían acumulado en un fondo a su nombre quedaban en su total disposición.

Justo un mes antes de su cumpleaños Stevie Wonder puso a la venta “Where I'm Coming From” su primer disco producido completamente por él, en el que todas las canciones fueron compuestas por él mismo o con ayuda de su esposa y en el que aparecería el sintetizador dominando los arreglos.

Gordy, el jefe de Motown, no estaba muy contento con el trabajo, además de que no tuvo el resultado de ventas esperado a pesar de que “If You Really Love Me” estuvo entre las diez más calientes y que “Never Dreamed You'd Leave in Summer” se convirtió en un lado B clásico.

A pesar de ello, el disco representaba mucho más que un acetato con pistas. Era el intento consciente de hacer un disco con un hilo conductor que lo convirtiera en un planteamiento artístico, además de dejar claro que Wonder no iba a querer lanzar discos con un montón de sencillos inconexos entre sí. En ese sentido, Stevie Wonder no firmó inmediatamente con Motown como la disquera esperaba, por el contrario usó el dinero de su fondo para armar su propio estudio de grabación y entrar a clases teóricas de música en USC.

Renegoció su contrato con Motown de manera que sus ganancias crecieron de forma exponencial, además de establecer su propia compañía de manera que los derechos de su música siguieran siendo suyos; y logró que se le diera control artístico total en sus grabaciones, tal como lo había logrado Marvin Gaye en “What's Going On”.

Liberado del esquema de pensamiento de Motown, Stevie Wonder empezó a desarrollar un estilo más personal. Uno de sus argumentos de negociación había sido un disco completo en el que mostraba su nueva actitud y que había grabado en su nuevo estudio, además de producirlo enteramente, componerlo (junto a su esposa) y tocar casi todos los instrumentos.

Lanzado a inicios de 1972 “Music of My Mind” anunció que Stevie Wonder era un músico de grandes ligas, talentoso y con una visión original que estaba rompiendo el molde del rythm and blues. El disco produjo el sencillo “Superwoman (Where Were You When I Needed You?”, pero al igual que el trabajo de Hayes y Gaye el disco pasó como una unidad que no pudo destacarse tanto en lo comercial como lo hizo en lo musical. Para esa época se anunció la separación de Wonder y Wright, a pesar de lo cual siguieron siendo amigos y Stevie Wonder produjo y compuso algunas canciones para el álbum debut de su ex esposa.

Ese mismo año Stevie Wonder salió de gira con los Rolling Stones, lo que permitió que su música llegara a una audiencia blanca más amplia.

Su siguiente disco fue un trabajo más refinado, mejorando aún más la calidad de su composición y hablando de su amor con Wright. “Talking Book” salió a la venta a finales del 72 y lo convirtió en una súper estrella. Canción por canción el disco es uno de los álbumes más importantes del R&B, además ayudó a perfeccionar el sonido espacial, futurista y electrónico que venía desarrollándose en la cabeza de Stevie Wonder. El disco fue calificado como “obra maestra” por la crítica.

Inmediatamente Stevie Wonder estaba en la cima de las listas con el clásico del funk “Superstition” y la balada “You Are the Sunshine of My Life” que llegaría a convertirse en una especie de referente de lo que debería ser una balada. Las dos canciones le dieron tres Grammys a Wonder.

Detrás de este disco venía “Innervisions” de 1973 un álbum conceptual que junto a “What's Going On” de Marvin gaye marcaron el punto más alto de la música que analizaba temas de relevancia social en el R&B. Por la temática el disco no tenía mayores posibilidades de despegar, sin embargo “Living in The City” una canción que narra la vida en el gueto y “Higher Ground” una canción introspectiva llegaron a ser número uno en la lista R&B y estar entre las diez más calientes del pop. Por su parte el LP se llevó el Grammy a Álbum del Año.

Su siguiente trabajo fue “Fulfillingness' First Finale” de 1974 que resultó estar más separado de la línea que traía en los dos trabajos anteriores. A pesar de ello, el disco dio para sacar "Boogie On, Reggae Woman" y una crítica bastante ácida a Richard Nixon titulada “You Haven't Don Nothing” que fue número uno en ambas listas. Además le volvió a valer el Grammy del Álbum del año.

Después de tres discos tan exitosos Stevie Wonder empacó todo y se metió en el estudio a producir lo que sería su ópera magna. “Songs in the Key of Life” fue un doble LP que incluía un EP y en él se manifestaba todo su poder creativo y su ambición como músico. Las opiniones estuvieron divididas: por un lado estuvieron los que lo consideraron como su mejor trabajo, mientras algunos reconocieron lo brillante del trabajo pero lo sintieron poco acabado.

“Sir Duke” un tema que le hace un tributo a la música en general y a Duke Ellignton en particular y el funk “I Wish” fueron cabezas de lista en pop y R&B. "Isn't She Lovely" (una canción dedicada a su hija) y "Pastime Paradise" se convirtieron en clásicos que otros artistas usaron de referencia para sus carreras. Nuevamente Stevie Wonder recibió el Grammy por el álbum del año, pero al mismo tiempo terminó el que sería su período creativo más importante.

Entre 1976 y 1979 Stevie Wonder no lanzó material nuevo. “Journey Through the Secret Life of Plants” era la banda sonora de un documental que nunca salió y aunque incluía un par de temas pop como "Send One Your Love" el carácter sinfónico del disco no atrajo de la misma manera a la gente. A pesar de ello sus ventas lo tuvieron entre los diez más vendidos.

Después de haber estado tan alto en su carrera, era lógico que algunos especularan con que Stevie Wonder iba de pique. Quizás por eso se apuró a sacar “Hotter Than July” en 1980. El sencillo "Master Blaster (Jammin')" tenía tintes de reggae que le llevaron directo a la cima en el R&B, mientras que fue número cinco en la lista pop. Detrás vino “Happy Birthday” una canción cuya intención era ayudar a la campaña por declarar festivo en día de nacimiento de Martin Luther King. Aunque en términos artísticos no fue un avance, la llegada del viejo Stevie Wonder a oídos de la gente hizo que este fuera su primer LP de platino.

En 1981 Wonder empezó a trabajar en su siguiente disco que poco a poco se fue postergando quizás por temor a no poder alcanzar los niveles de otros tiempos. Mientras las ideas maduraban se mantuvo ocupado y en 1982 salió a la venta el sencillo "Ebony and Ivory" que cantaba a dúo con Paul McCartney y que llegó a ser número uno, al mismo tiempo puso a la venta un disco de grandes éxitos en el que se incluyeron cuatro canciones nuevas, dos de las cuales fueron éxitos.

En 1984, sin haber terminado aún su próximo LP, participó en la grabación de la banda sonora de “The Woman in Red” a la que aportó varias canciones entre ellas "I Just Called to Say I Love You" que ganó el Óscar a la mejor canción y fue su sencillo más vendedor.

Finalmente en 1985 completó el disco en el que había estado trabajando por 5 años: “Square Circle”. De él se extrajo “Part Time Lover” que estuvo en la cima de las listas. El disco vendió hasta el cansancio a pesar de que los teclados de Wonder que antes eran visionarios ahora eran la norma en el pop.

Luego del éxito comercial del disco su presencia era requerida en todas partes, por eso fue figura central en el tema “We Are The World” que buscaba recaudar ayuda para las naciones que pasaban hambre en África y "That's What Friends Are For" junto a “ Dionne Warwick & Friends”.

En 1987 puso a la venta “Characters” que no alcanzó los niveles de ventas y popularidad al que estaba acostumbrado. Fue su último lanzamiento en la década de los ochenta. Su próximo material se puso a la venta en 1991 en la forma de banda sonora para la película “Jungle Fever” de Spike Lee”. En 1995 vendría “Conversation Peace” que aunque no logro mayor éxito comercial ganó dos Grammys por “For Your Love”.

Ese mismo año Coolio refrío “Pastime Paradise” a estilo rap y le puso de nombre “Gangsta's Paradise” que llegaría a ser la canción del año. Stevie Wonder aprovechó su nueva popularidad y grabó a dúo con Babyface “How Come, How Long” en 1996.

Desde entonces, Motown ha relanzado y remasterizado varias compilaciones del material de Stevie Wonder intentando rescatar el enorme aporte de Wonder a la música. Su influencia se dejó sentir en el movimiento neo soul de finales de los noventa, en el que siguió siendo uno de los artistas de referencia de los músicos contemporáneos.

Después de una década en la que no puso nueva carne en el asador a finales de 2005 y “A Time 2 Love” se puso a la venta. En el disco participan artistas como Prince.

El aporte de Stevie Wonder a la música es realmente invaluable razón por la cual forma parte del Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1989.

Que Fue De .... Bros

 

A finales de los 80 los gemelos Matt y Luke Goss formaron con apenas veinte años, uno de los primeros grupos británicos en cuanto al movimiento de fans, BROS. Originalmente fue un trio,junto a ellos un viejo amigo de la infancia, Craig Logan. Craig tocaba el bajo, Luke la batería y Matt era el cantante. En 1987 editarían su primer single "When I will be famous?", con el que consiguieron entrar directamente al 2 en UK. Al año siguiente publicarían su primer disco "Push" que se convirtió en todo un exito en Inglaterra, llegando a ser numero 2 en dicho pais. De este disco siguieron extrayendose numerosos singles: "I owe you nothing"(número 1 en España),"Drop the boy", I quit", etc... Todos ellos top 5 en UK. Ese mismo año empezaron un gira europea que fue un autentico éxito aunque supuso el detonante de una serie de problemas en la banda. Sin haber terminado la gira y sin saber porqué Craig abandonaria el grupo (segun algunos rumores porque no soportaba los caprichos de estrella de los hermanos).Esto desataría una serie de continuos rumores sobre el grupo,la supuesta homosexualidad de Matt, la enemistad entre ellos,etc...

Despues de este coflicto y ya convertidos en duo editarían su segundo disco "The time" número 2 en UK.Destacar de este disco el single "Sister" dedicado a una hermanastra muerta en un accidente de tráfico. Siendo durante esta época portada de numerosas revistas de fans en España.

Ya en la decada de los 90 el grupo cambiaría tanto de imagen como de estilo musical,conviertiéndose en un grupo mas maduro y serio.Había pasado a mejor vida aquella imagen del grupo, vaqueros rotos, grandes pendientes y cazadoras de cuero.En 1991 editaron su tercer disco "Changing faces", que fue un rotundo fracaso.De este disco sólo se publicaron dos singles, "Are you mine? y "Try" que pasaron con más pena que gloria.Ante este panorama, es lógico que decidieran poner punto y final a esta corta pero intensa trayectoria musical.

Tras la separación,Luke se decantó por la interpretación, apareciendo en numerosos musicales en Inglaterra y mas tarde mudándose a EEUU para intentarlo como actor, destacando su participacion en "Blade II" de Guillermo del Toro, dando vida al malo de la pelicula (Nomak) y en una tv movie "Frankestein", interpretando a la criatura. En 2008 estrenó "Hellboy 2: El ejército dorado" de Guillermo del Toro, en la que aparece irreconocible gracias a la caracterización de maquillaje a la que ha sido sometido para interpretar al malvado Príncipe Nuada. En 2009 lo podremos ver en la adaptación cinematográfica del vídeojuego "Tekken".

 Matt por su parte seguiría editando discos en solitario siendo el más reciente "Early Side of Later" (2004).Craig Logan sigue vinculado al mundo discográfico como productor.